板胡在我国大约有300多年的历史，它的名称是因为琴筒用薄木板粘成而得名的。
板胡是高音拉弦乐器，又称梆胡、秦胡等。它是伴随着地方戏曲梆子腔的出现，在胡琴的基础上产生的乐器。板胡的音色特别清脆响亮，富有乡土气息,在乐队中它常是各种伴奏乐器的领弦，在弦乐中担任高音声部。最初，板胡主要流行于中国的北方地区，当地的许多地方戏曲和曲艺，如河北梆子、评剧、豫剧、秦腔等都是用板胡作为主要伴奏乐器的。由于板胡和中国的戏曲、曲艺有着深厚的渊源关系，因此它在演奏戏曲、曲艺音乐时最能发挥自身的特点，在地方戏曲和曲艺伴奏中，各地区的板胡善于表现各自不同的风格，富有独特的地方色彩。与其他的胡琴类乐器相比，板胡最大的特点就是音量大，音色清脆嘹亮，尤其擅长表现高亢、激昂、热烈和火爆的情绪，同时也具备优美和细腻的特点。板胡的结构绝大部分和二胡相同，但也有区别，主要区别在琴筒上。板胡琴筒的前口不像二胡那样蒙皮，而是用桐木板，这就是板胡发音的关键。应一些热爱板胡制作朋友的要求，记者与板胡制作师取得了联系，对其凤头板胡的制作过程进行了采访，并以图文形式刊出，以飨读者。其中若有疏漏，敬请读者谅解、指正。 

1.挑选担子（琴杆）料。制作板胡必须要硬料，一般用小叶檀、乌木、黑檀、老红木等材料最佳。选料是注意选顺丝、顺柳的材料。

2.调直。先用目测，如果料不直还要用火烤直。

3.拉杆。过去用手工刨子进行拉制，现在用专业机器，优点是精确、速度快。

4.拼头形。拼头形就是把一块小方形的材料拼接到琴担子的头部。先用砂轮把琴担子的一侧打磨平整。

一、音阶
                            
                        京胡以自然大音阶为基础音阶。它的音程结构是五个全音(大二度)、两个半音(小二度)。两个半音在3—4之间和7一1之间。一个全音相当两个半音。这是以十二平均律为基础的音阶。
                            
                        京胡是单音演奏的旋律乐器，故采用“首调，，记谱法。所谓首调，京胡是以自然大音阶的首音。“1”为准。初学京胡的人，应以自然大音阶为依据，调整按弦的指距。简言之，“全音”的指距较大，“半音”的指距较小(半音即3→4，7→i)。
                        　　二、定音与调名
                            
                        京胡的里外弦应是按纯五度定音的。由于演员“调门”不同，还由于西皮、二黄、反二黄各种调式的“1”位音高也不同，因此，京胡的定弦不是固定的。过去，某些琴师把外弦定得偏高，谓之“宽五度”，俗称“阴阳弦”。这是不正确的定弦方法，目前已不采用了。
                            在京剧界，关于调名，有它自己传统的叫法。为了便于了解过去，我们把传统调名和现代通行的调名列出一表：

                        　　现代：    D       bE         F       　 G         A        
                        bB        C   
                        　　传统：  小工调   凡字调    六字调    正宫调    乙字调    上字调    尺字调

                        　　三、指序与把位
                            
                        左手按弦由四个指头(不算拇指)组成。指序由大写的数字表示，即：食指(一)、中指(二)、无名指(三)、小指(四)。
                            
                        以上指序是目前各种拉弦乐器的通用标指法，至于小指，在传统京胡演奏的按指中，一般不用或少用。小指指位常以无名指代替，这大概是由于京胡弦硬，而小指无力，按音不实之；还有，京胡比二胡，板胡等弓弦乐的弦距较短，以无名指代替比较方便实用。作者认为，忽视了小指的运用毕竟有可用而弃之的遗憾，在演奏传统京剧唱腔或曲牌时还是可以的，但演奏比较现代的、七声音阶的旋律时，就会产生手指不够用的情况。特别是在独奏大型京剧音乐时则更嫌不足。作者以为还是兼用小指为好。 
                           
                            京胡演奏，一般是以第一把位为主，兼用第二把位，第三把位极少用或不用，这是京胡音域特色所决定的。
                            左上角是京胡的二黄、反二黄、西皮等三种把位图示，以供锐意改革和不断精进的朋友们参考。

                            
                        京胡高把位极少用，还有一个重要原因，就是它以伴奏京剧唱腔为主。伴奏与唱腔的关系，常常是你高我低，你低我高，你繁我简，你简我繁。这正是中国民间音乐支声复调的原则。
                            京胡换把应注意以下几点：
                            1．夹担的左手，虎口要放松。手腕先行下垂，同时带动手指，在换把的瞬间压住琴身。
                            
                        2．以腕提手指，随虎口急速而坚定地移向把位。此时，按指的指压应尽量适度减轻，如滑雪般移向新把位，一旦到位立即停止滑动，中间不露痕迹。
                            3．不移虎口的换把，必须是换把手指迅速而准。这种换把适于手指较长的人。

京胡的定弦：

京胡以五度關係定弦，根據京劇曲牌的不同而有不同的定調。

　　京胡的兩條弦以五度關係定音，根據伴奏京劇曲牌的不同，經常定成c1 、g1 弦（反二簧），g 、d1 弦（二簧），a 、e1 弦（西皮）和d1 、a1 弦（反西皮）四種，有時還定成f1 、c2 弦和e1 、b1 弦等等。

　　京胡使用絲弦時，一般外弦用二弦，裏弦用老弦，因爲京胡的弦較短，音域不寬，所以不適於一般音樂演奏或爲歌舞伴奏。 

　　演奏京胡時，奏者兩腳平放分開，左手虎口執琴於千斤鈎下，將琴筒放在左腿上，琴杆向左稍傾斜。左手按弦時，手型呈半圓形，除拇指外，其餘四指以指尖和指肚之間的部位觸弦。右手持弓拉奏，運弓要平穩。

　　京胡的弓法有拉弓、推弓、顫弓、抖弓、頓弓、帶弓和快弓等。指法除按音外，主要有揉弦、打音，滑音和倚音等技巧。

京胡的弓法：

  右手持弓运弓的方向、部位、长短、快慢、强弱等演奏方法统称弓法。
                            首先要明确弓法中弓段的划分：
                            整个弓子叫全弓，靠近持弓右手的—端叫弓根，只一端叫弓尖，中间部分叫中弓。如果将全弓分成两部分：  
                        从弓根到中间叫右(后)半弓，从弓尖到中间叫左(前)半弓。从左边图示中便可一目了然。
                            
                        了解弓段划分的概念后，我们再明确弓子运动的方向：弓子从左向右运动叫做“拉弓”(出弓)，反之叫做推弓(入弓)。这种一拉一推的运弓次序就叫“弓序”。在乐谱上拉弓记号为“→”，推弓记号为“←”。 
                         
                            运弓的一般方法：在第一条中已简明提到运弓，这里将比较细致地介绍一下。
                            
                        京胡运弓是右肩关节、大臂肘、小臂手腕和手指动作的有机配合。其中，腕关节的动作是关键动作。它对各部位起到协调和缓冲的作用。如前述，我们把运弓要领概括为四个字：平、直、匀、实。
                            
                        一平，是指弓子运动要干稳，不可忽上忽下，出现常见的毛病，俗谓“跷板式”运弓。这是由于拉弓时，右手抬得过高，使马尾离开琴简，推弓时，右手又压得过低，使弓尖跷起，这是运弓左右不平的毛病。另一种是右手持弓时弓杆和马尾不平，过于向里扣腕，则弓杆碰擦琴弦，过于外折手腕，则弓杆又碰到琴简。这两种毛病不但造成乎腕紧张，尤易出现杂音。
                            二直，即运弓日人马尾成一条直线，不要内外摆动，无论是奏内弦或外弦，马尾在运行中
                        终不离开琴弦、琴杆和琴筒。尤其拉里弦时，马尾虽没有紧贴琴杆，但千万不可离琴杆太远。运弓是否成一条直线，可看松香槽沟是否成一直线，运弓不直，则槽沟呈扇状或散乱无沟。
                            
                        三匀，是指运弓的全过程中速度和力度要均匀，不能忽快忽慢，忽强忽弱，推拉往返都要保持干和稳健，不能出现结状音和“疙瘩”音。
                            
                        四实，指运弓发音纯厚坚实。京胡的运弓与其它弓弦乐器运弓最明显的区别就是马尾紧贴琴杆，尤其是拉外弦时，右手必须向外(前)用力，使马尾与琴杆之间形成一个小小的角度，产生杠杆作用，在“平”、“直”、“匀”的基础上，就能轻松自如地发出高爽、脆亮和饱满圆润的音响，这才是京胡最大的特点。只有如此，京胡的运弓才能做到“实”。
                            综上所述，初学京胡的朋友们可利用下面的练习曲，不用左手按指，只拉空弦。在正确  
                        的坐姿，正确的左手握琴的基础上，耐心地练习平、直、匀、实的运弓方法。

                            
                        京胡的弓法繁多。通常分为：全功、中弓、顿弓、快弓、颤弓、垫弓等基本弓法以及连弓、换弦弓、柔弓、渐弓等特殊用途的弓法。
                            一、全弓
                            
                        全弓是右手运弓最基本的训练。拉弓时，以手腕的弹力发出一个具有爆发力的短促的音头，“吃”住弦，然后，肩、肘、腕协调用力，既不松懈，又不发僵，马尾始终紧贴琴杆和琴筒：在指近中弓时，手腕与小臂形成一直线：拉到弓尖部分手腕逐渐向外突出，大臂抬起，肩、臂、肘、腕形成一弧形。以上过程的结束，就完成了全弓的拉弓动作。
                            
                        推弓的方法与拉弓相反。推弓时，不能像拉弓开始那样使马尾吃住弦，因腕、臂不容易用上力，故音头不明显。因此，推弓时应有意识地加强肩，臂、肘，腕给予持弓手指的力量抵住弓杆，加强马尾擦弦的力度，才能完成推弓的动作。
                            
全弓的练习除了要做到平、直、匀、实四大要领之外，还应做到慢而不空、缓而不虚。尖而不散、悠而不断等发音效果。
                            
                        全弓一般用于较慢的导板、散板、慢板等较舒缓的音乐节奏或唱腔中，它是京胡演奏的首要基本功，只有掌握好全弓的正确奏法才能奏出优美、舒缓，华丽动听的音乐，使京胡进入独奏的领域。
                            
                        还有一种强奏全弓，这是京胡托腔中很有力度和气魄的弓法．它常用于托腔尾部，把唱腔推向高潮，从而造成强烈的剧场气氛。
                            强奏全弓要求起弓和换弓的音头要非常有力并富有弹性，声音要坚实、清晰，爆发力。
                            演奏时，以右臂突然快速有力的动作带动手腕运弓，马尾与弦、筒。担子磨擦力度加大，音响要重而不拙，强而不噪。 
                           
                            初学者应遵照练习曲中标记的弓法，一弓一弓地练习，练多了就可以从无标记的旋律上意识和运用正确的弓序了。
                            二、中弓
                            
                        这是京胡最常用的弓法。中弓、在弓子中部或偏左的部分运弓，它的动作是以小臂带动腕子，所以要特别加强腕子的灵活与弹性的练习。
                            中弓的特点是一弓一音，适合演奏中速的曲牌和唱腔，如原板、二六、流水等板式。
                            三、顿弓
                            
                        这是发音短促，刚劲有力、有内在弹性的一种弓法．顿弓要求发音干脆、利落、清晰，有力，各音之间均匀不混。练习时，要特别注意用右小臂。右腕灵活而有弹性的动作带动弓子。
                            顿弓大体分三种：
                            1．大顿弓：停顿的时值大约等于四分音符时值的一半，节奏有力、千净而明快。
                            2．小顿弓：顿音的时值大约是四分音符时值的l/4。这种弓法能严谨地配合演员的唱腔和气口，使唱腔顿挫分明。 
                          
                            3．连顿弓：即把两个以上的顿音用一弓演奏出来。它在演奏时犹如蜻蜓点水，旋律轻巧、跳跃、活泼。
                            三种顿弓既有共性，又各尽其妙，练习时应注意侧重点，努力掌握各自运弓要领，体会不同顿弓的音响特点。
                            四、快弓
                            这是京胡伴奏中，具有独特风格的运弓技巧，通常使用连续单弓，构成了京胡弓法的特。
                            
                        京胡炔弓，一般用中弓偏左部位触弦，以富有弹性的腕、指用力为土，小臂在协凋中起辅助作用，欲快要先慢，节奏在快中求稳，旋律要清晰、单音清脆、扎实，颗粒性强。连续的快弓应给人以珠落玉盘的酣畅美感。
                            五、颤弓
                            俗称抖弓或碎弓。它和其它拉弦乐器奏法略似，即用弓尖进行快速推拉，多以拉弓起始。    
                        抖弓时，肩臂肘虽着力紧张，但不僵硬，肩关节尤其要放松，以小臂带动手腕急速抖动，发音要均匀、清晰，将许多颗粒状的单音联成一气奏出。颤弓记号是“〃”。
                            六、垫弓
                            
                        又叫小抖弓。这是京胡独具特色的一种弓法。小抖弓的奏法是用小臂带动手腕，拉弓时顺势一抖，发出两个极为短促的音。腕子要灵活，发音要清楚、干净、颗粒性强。垫弓具有加强音乐力度，使某一个音突出和缓解、调整弓序的作用。
                            还有一种连续小抖弓，常用在托腔尾部，使唱腔在结东时顿挫有力，给人留下深刻印象。
                            
                        除了以上介绍的基本弓法外，京胡还有几种特殊用途的弓法。在这些弓法中，一般没有什么严格的规定和乐谱记号，它是随音乐的需要而变通地应用的。
                            七、连弓
                            
                        一弓演奏两个以上的音符叫连弓。这种弓法有两个目的：一是使旋律优美流畅，二是调整弓序，避免产生不合理的“逆弓”。连弓有三种：一是同弦连弓，二足内外弦交替的连弓，三是跨节拍的连弓。
                            
                        连弓的技法要点是：运弓与按指密切配合，运弓力度要一致，按指要匀实。不论是几个音的连弓，每个音都要清晰均匀，构成的旋律应十分连贯流畅。
                        　　八、换弦弓
                            
                        京胡以第一把为主，在演奏的进行中，内外弦不断交替。这是京胡弓法中极为重要的特点，也是难度较大的弓法。初学者常出现下面的毛病：换弦不灵敏、旋律不清楚、节奏快不上去等。
                            
                        演奏换弦弓的要领是：从里弦换到外弦时，拇指与食指持弓杆处向外用力，食指第一关节拢住弓杆以防止弓杆向外脱手：从外弦换到里弦时，无名指撑住马尾，拇指顶住弓杆防止弓杆蹭上外弦时因不稳发出噪音。不论哪种换弦，弓子运行都要平稳，换弦时内外角度应尽量小，使内外交替不露痕迹。
                        　　九、柔弓
                            
                        柔弓也可理解为柔和的慢全弓。其特点是起弓、换弓都不要音头，运弓缓慢，音色圆润，旋律流畅而柔美。柔弓多用于表现人物内心的复杂心理活动，它要求柔中有韧，弱中带刚，轻而不飘。柔弓看似简单，实际要求演奏者对唱腔、剧情、人物心理和音乐内涵有深刻的理解，在控弓、运弓和按指揉弦等方面部达到相当的水平和修养才能步人较高的艺术境界。
                            柔弓的要领在于：右臂放松，用力轻巧，保持内在的控制力；换弓时，腕部轻柔，使音如游丝、柔而不露、换而不断。
                        　　十、渐弓
                            
                        渐弓就是通过运弓的力度和速度的变化，产生音响上的渐强或渐弱的效果。渐强时，运弓速度要渐快，力度也渐大；渐弱时则相反，弓速渐慢，力度也递减。
                            
                        在本节的最后，我们特别谈谈京胡的弓序问题。京胡在何时拉弓，何时推弓，都有一定严格的规律。弓序错了，被称为“逆弓”或“戗弓子”，它就奏不出京胡特有的韵味。这是初学者必须重视的基本功。
                            弓序的基本规律是：
                            1．乐曲都是拉弓开始，推弓结束；
                            2．每拍第一个音(即强位音)基本上用推弓，第二个音(即弱位音)基本上用拉弓；
                            3．旋律中的重音基本上用拉弦。
                            
                        通常所说“基本规律”，就是京胡弓序虽然严格，但不是绝对、刻板而不变的。在许多特殊情况下，时常临时打破基本规律，以保证伴奏的唱腔的严谨和旋律的连绵流畅；有时则为了与后面音符连接得自然，临时改变弓序，经过合理的、暂短的调整，再回到正常的弓序上来。
                            
                        掌握弓序规律不是朝夕之功。初学者应遵照练习曲中标记的弓法，一弓一弓地练习，练多了，就可以从无标记的旋律上自觉地意识和运用正确的弓序了。

京胡的演奏姿势：

学习京胡的第一要求，就是掌握正确的姿势。它是练琴前必要的准备。正确的姿势是许多名师代代摸索、总结出来的。 

正确的姿势是科学地：针对琴的特征和人的自然特征而形成的。它应符合以下原则： 

1．京胡的特殊形制和发声特点；  

2．不同人的生理特点； 

3．是否有利于掌握琴艺； 

4．外部形象是否自然美观。 

京胡与一般民族拉弦乐器在发声上独具一格。因此，它对演奏姿势的要求尤为严格。概 
括起来有三方面：坐姿、握琴按弦和持弓运弓等。 

一、坐的姿势 

常见的有三种：架腿式、垫脚式和平腿式。请参考下面图示，再详读文字，然后按自己 
的特点与爱好合理选用之。 

1．架腿式坐姿 

将左腿架在右腿上，俗称“二郎腿”。这是一般老琴师惯用的姿式。 
因京胡短小，放在架着的左腿上，操琴就比较方便了。但也同时产生两个缺点：一是琴身过斜，易搁置不稳定，二是右腿负担左腿重量时间一长，两腿易酸。为了缓解腿酸而不自觉地活动，就可能引起琴身不稳定的毛病。 

2．垫脚式坐姿 

这是架腿式的变通姿式。习惯左腿较高而又避免架腿的缺点，就在左脚下垫一个小木凳以升高左腿。琴师如果稍嫌腿短，也常用垫脚式弥补，但外观欠雅，且时时携带小凳也麻烦。 

3．平腿式坐姿 

这是现代乐队队员在舞台上最通用的姿势。 
平腿式坐姿，就是双腿平放，自然分开，操琴时比较自然大方，也可避免以上两种坐姿的不足。作者在多年的实践中体会到平腿式坐姿比较科学。 

首先，上身要自然正直，表情大方。伴奏时可注视演员的口型，听着唱腔；独奏时应注意全身放松，自信而大方，头部略转向按指以示专注投入；偶尔把视线移向台下中后部，与观众适度地交流情感。 

持琴时注意双腿平放，要如生活中的坐姿一样自然，将琴筒底部贴实在左大腿中部靠前约一寸处，琴身左倾约30度，琴担子顶部正对着左肩边缘，蛇皮面略向前斜。 

要特别注意： 

①琴身不能过于前倾或后仰，要与上身基本平衡。过于左倾则运弓力度不够；过于正直则琴身不稳，且外观呆板。 

②时时注意调整姿式上的疏漏，尽量避免自我陶醉时出现的前仰后合、左右摆动的毛病。 

⑤切忌毗牙咧嘴，挤眉弄眼，摇头晃脑和用足掌踏拍子的不良习惯。

京二胡与京胡的配合：

京二胡是专门从事京剧伴奏的乐器，是我国民族器乐中年轻的一员，只有不到八十年的历史。1923年梅兰芳在排演新编剧目《西施》的过程中，感到乐队伴奏弱而单调，便与他的琴师徐兰沅及王少卿商议加以改进乐队伴奏音响效果，先后尝试用四胡、大忽雷、小忽雷与京胡配合，效果都不理想。他们接着试用了在南方流行的一般二胡(即南胡)感到既没有干扰京胡的演奏，又能起到衬托的作用，音色也比较谐和，便决定在唱腔中加入二胡，由王少卿演奏，以丰富乐队。他们经过与乐器制造师共同切磋，结合了四种乐器的长处，不用蟒皮，采用蛇皮形成中音效果，用红木担子，和六块木合制的花梨木筒。演奏出来的音色较为松驰，并改造了琴弦，由细丝弦改为粗丝弦，把二胡改制得与胡琴音色更为协调。此后这种乐器就成为“京二胡”。起初二胡只在伴奏曲牌中应用，梅兰芳感觉效果较好，又发展为将二胡加入到旦角唱腔中，在《西施》演出之后，京二胡的加入已引出了不同的反响，内行人颇有非议之辞，某些观众还曾在报刊上发表文章进行讽刺；梅兰芳坚持了这一改革。此后他在演出和唱片灌制中，全部都加入了二胡。在他的影响下，其他班社的旦角演员也开始采用二胡随腔演奏。随着时间的推移，这一创新终于得到社会上的一致认可，后又将京二胡加入到小生唱腔中，京二胡逐渐在假声演唱区运用。特别是京剧捧演现代戏后，生、旦、净各种角色的唱腔都加入了二胡。目前在上演传统戏时，根据演员及剧情的需要、意向，来酌定是否加入京二胡。

京剧伴奏中，京胡是文场乐队的领衔乐器，以它为中心带动其它乐器的演奏。文场(包括京胡、京二胡、月琴、三弦)统称四大件儿。在音色上各有不同，京胡：高昂、明亮、激烈、穿透力强，某些音色近乎噪音；月琴的弹奏特点为“颗粒状”；京二胡：浑厚、连贯，形成它们的中和之色彩，使唱腔和伴奏、京胡和京二胡的配奏达到和谐统一、浑然一体。

京二胡和京胡的伴奏和声织体初步形成：

京胡
音区：高音区
音域：窄、一把位
音色：尖、亮、单、穿透力
作用：领奏

京二胡
中音区：定音准，形成纯和声
宽、换把增加音域：换把技巧过硬
宽、圆、浑厚(包容性)：运用各种技巧准确
协奏：能主、莫主

京二胡在京剧伴奏乐器中有了一席之地，成为京剧中的主要伴奏乐器之一，在伴奏中与京胡、月琴等器乐合奏，尤其是在旦角唱腔中，它显示了非常重要的作用。由于京二胡的演奏与京胡高低疏密各有不同，增强了伴奏的层次感，使音调和谐，音响洪亮、浑厚。由于京二胡的演奏产生了音色、音区的对比变化，丰富了伴奏的表现力。

京二胡与京胡定弦相同，(西皮定6 3、二黄定5 2)但京二胡比京胡低八度音，音区上的不同，形成了它们八度的关系，就很自然的形成了二声部。

请看例1：《西施》中西施唱西皮二六的一句“佯欢假媚多勉强”。

上例1是王少卿先生操京胡伴奏的《西施》中，对京胡与京二胡的声部、和弦进行了处理，使得旋律更美。

京胡重量轻、琴担短，左手虎口一旦放松进行换把，琴身就容易发生摇动，影响换把后的音准。此外，琴杆的竹节对换把也有一定妨碍。京胡的演奏姿势(琴杆倾斜，左手虎口紧挟琴杆)使换把也很不方便。因此，京胡由于构造、演奏姿势等原因，从换把的条件来说，存在不少因难。京二胡琴担长，音域比京胡宽，并吸收进了民族器乐二胡的换把演奏技巧特色；奏下把位的音色明亮，因此利用换把演奏给京胡以补充。

请看例2：京胡曲牌中的二黄《万年欢》一乐句：（见图）

上例2既产生了音区上的变化，又弥补了京胡无法下把的不足，形成二声部。京二胡不是独奏乐器，也不是领衔乐器，确切的说，在文场伴奏乐器中属第二席位置。因此要顺从于京胡，配合鼓搞好协作“托腔保调”。

京二胡演奏时与京胡演奏技巧、表达情感基本一致，技巧大致分为：

弓法：推弓、拉弓、全弓、中弓、顿弓、颤弓、垫弓、换弦弓、柔弓、抖弓、渐弓。
指法：揉、打、滑、掸、垫、颠、泛。

京二胡与京胡的合作最为关键。京二胡在音色上，声部上给京胡以陪衬、补充，通过共同合作，最终配合演员以达到最完美的舞台艺术效果。好的京胡能够表现音乐美感，保持传统观念并不为错，但是随着艺术不断的变衍，人们欣赏水平要追求时代潮流，在继承和延续传统的同时，更应该适应观众的时代审美要求。在旋律、技巧、节奏、激情上达到让观众听起来舒服，能和自己共同享受作品中的喜、怒、哀、乐的效果。

京二胡虽然在四大件的第二席起配奏的作用，但它应该有自己的主观意识，在密切配合好京胡的同时，不依赖于京胡；也应该有自己独特的艺术见解。作为一名演奏员对舞台上的艺术劳动是极其严肃的。搞艺术要有艺德，在舞台上要有台风。

不向的器乐专业具备不同的职业规范。京二胡演奏员应有：独奏水平，顺从意识，当然顺从并不代表完全服从。台下即使有如何激烈的争议，在保持自己正确独特的艺术主观的情况下，要与京胡配合密切协调，达成完美一致。当然，艺术合作上的分歧与私人感情是万万不可混为一谈的。在台下，京二胡与京胡切磋，商议，磨合，取长补短，提出自己的看法和音乐处理。在台上，京二胡始终是托着京胡进行演奏的，如果京胡出现差错，京二胡应能及时补救。如果京二胡与京胡弓法不同，还可以从技巧上做些处理调整，这只是小的问题。我在演奏中曾遇到过这样的问题。作为一名京二胡伴奏员，在舞台上，京胡无论出现什么样的错误，在没有失去伴奏原则规律的基础上应跟随京胡或及时补救，在台上出现了叉车，这可真成了二声部重奏了。对于观众来说，他不会分辨谁对谁错，只会觉得二胡与京胡配合不默契，音乐伴奏效果极差。但需注意的是，京二胡除了根据曲调感情产生某种特殊伴奏效果的需要而采用它特有的演奏技巧和演奏手法外，在弓序和弓法，指法(滑音、打音)运用上，以及在音量的控制上应与京胡配合一致，合作默契，以求获得统一的伴奏效果，配合演员共同塑造最完美的舞台艺术形象。从艺和道德修养应该同步前进，互相促进。“认认真真演戏、老老实实做人”，这是我对自己的要求。

综上所述，京二胡与京胡的协作关系是对立统一的，两者之间既有相对的独立性，又有配合的一致性。随着不断实践、探索和创造，不断挖掘出京二胡和京胡配合上的潜力，寻求发展，使两者的配合会更真完善。

板胡的调试：

本人陆续接到朋友的来信，询问板胡音量小是啥原因？如何调试？因为这一段时间在电脑学校代课，比较忙。一直拖到现在才答复，请多多谅解！
   1.对于新购买的板胡或者新配的发音板来讲，连续使用3个月以上，音量没有提高，就要用砂纸打磨发音板。一次部要磨太多。不要嫌麻烦。多试几次。如果厚度小于3mm时，还是不理想，就要考虑更换发音板。
   2.更换面板的原料最好是陈旧的泡桐木板。如早年的木箱、风箱板等。厚度不超过5mm,用“哥俩好”胶粘好，放置一晚上即可。
   3.经过打磨后的发音板，原则上是上厚下薄；外弦的2（来）音音量要高于1（哆）的音量；外弦音色明亮，没有噪音。内弦发音柔和，音色不塌；
   4.板胡的音色除与发音板有关外，还与千斤、码子的位置有关。这些主要在于实践中通过调试才能决定。
   5.板胡发音的大小还与右手的工夫有关。经过长期正规练习，拉出的音色纯正，瓷实，没有发飘的感觉，能随心所欲地掌握音量的大小。
   6.新换的发音面板，要经过几个月的磨合，才能发出正常的音量。所以刚换的面板不要觉着音量小，就马上打磨面板。这样不好。即是发音临时正常了，但是面板的寿命不长。时间不昌音色就塌了。还要更换面板。
   7.一把好的板胡，更换4--5块面板那是常有的事。要想拥有一把好的板胡，就要不厌其烦，精心打造。
好了！就将这些。也许对板胡爱好者用一点启发作用。

板胡的定弦与音域：

板胡传统的定弦法，有五度和四度两种，定弦的高度也不一样，多据伴奏的戏曲或演唱者的嗓音而定。


　　在民族乐队中，板胡常按五度关系定弦，内弦定为d2 、外弦定为a2 ，比二胡高一个八度，音域从d2 ～g4 ，有两个半八度。

　　在郿鄠剧等伴奏中按四度定弦，这主要是为了更好地表达戏曲的特有风格。

　　三弦板胡有高、中音两种，都为五度定弦，高音定为g 、d1 、a1 ，中音为d 、a 、e1 ，为豫剧或山东莱芜梆子等伴奏时，也可按四、五度或五、四度定弦。

　　三弦板胡使音域扩大了五度音程，在保持板胡原有的音色基础上，发展了新的演奏技巧，增强了表现力，不论演奏民族风格浓厚的乐曲或歌剧选曲，还是外国民间乐曲或为它创作的新曲。都能收到较好的艺术效果。 

　　演奏板胡时，左手执琴，虎口夹住琴杆，拇指自然平伸，用其他四指按弦。右手持弓，以拇指、食指持握弓柄，中指放在弓杆外侧，无名指控制弓毛。板胡的弓，指法丰富多样，弓法有全弓、中弓、连弓、颤弓、顿弓、甩弓、断弓、点弓、跳弓、砍弓和击弓等技巧，指法有按弦、揉弦、颤音、点音、勾弦、弹弦、拨弦、泛音、双音和各种滑音等。

　　板胡弓、指法虽与二胡大体相同，但板胡以用中弓为多，滑音也用得相当广泛，而且干脆、爽利。板胡弓、指法的特点和它清脆、高亢的音色，构成了板胡独特的演奏风格。

谈板胡教学当中的音准,音程关系,指距关系：

摘 要：板胡的发展变化，对于板胡演奏者演奏技巧的要求也就更加严格、更加专业化，演奏当中的音准问题也就更加重要。在我国的传统乐器的演奏当中，很多使用的是从古代的三分损益法得到的五度相生律和纯律，与西方的十二平均律在律制和听觉上有一定的差异。我国是多民族的国家，在长期的社会实践当中形成了不同的文化传统、地域特点，因此也存在不同的律制，在演奏地方音乐时，一定要研究他们的旋律、调式、音程关系，找到它们不同的律制的特点。

关键词： 板胡 音准 音程关系 指距关系

板胡是民族乐器中的一件重要的拉弦乐器，它的音色嘹亮、高亢，而且极富色彩。板胡主要流传在我国东北、华北和西北一带，它的发展也是一直伴随着地方戏曲的音乐，主要是梆子腔剧种的兴起而广泛得到应用。

随着板胡的发展变化，现在的板胡已经不只是局限于戏曲唱腔的伴奏，更多的是作为民族拉弦乐器的一个独奏乐器出现，因此对于板胡演奏者演奏技巧的要求也就更加严格、更加专业化。在实际演奏当中我们经常可以听到很多关于板胡音准的议论，很多学生由于音准不严格影响了乐曲的表现，而且也破坏了听众的情绪。有的教师对音准也不是非常重视，对于很多学生尤其是初学者的音准的训练往往不那么严格，满足于听得过去就可以，对有些不是很准的音，听之任之，使学生没有正确的音准的正确概念，形成了习惯性的偏高或者偏低，在以后的教学当中纠正起来就会非常困难，以下我就对如何解决学生演奏当中的音准问题进行论述。

首先，我认为应该对学生的听觉进行训练。音乐是听觉的艺术，一个没有听觉的人是无法欣赏也无法学习音乐的。对于乐器的演奏者，尤其是拉弦乐器的演奏者来说，听觉的训练是非常重要的。

音乐的听觉，主要是通过视唱、练耳两方面的训练来进行。在训练当中，一方面要提高视谱的能力，另一方面就是要训练听觉，增强耳朵对音高的分辨能力，确立正确的音高概念。在我们专业的音乐院校一般都设有视唱练耳的课程，这对于音准的培养非常重要，不但要要求学生听得准确，还要要求学生有唱的能力，因为视唱的能力往往代表了他的视奏的能力，二者有着共同之处。

对于没有进行过专业的视唱练耳训练的学生，我们则应该要求他们在演奏时借助固定音高的乐器，比如钢琴等键盘乐器、笙等乐器进行训练，确立正确的音程概念，因为有些学生演奏当中的音准问题往往是因为音程关系的概念不正确引起的。

在练习板胡演奏的时候，开始一定要慢练，手指按音要求准确，先不要加一些颤指、装饰音和滑音，首先把音程关系拉准确，逐渐熟悉不同把位上的各种音程的指距关系。练习音准应该首先从音阶和琶音等基本的训练开始，如果一开始就急于让学生演奏乐曲，同时加上很多颤指、装饰音和滑音，容易使学生混淆音准的概念，从而很难作到完全的音准，有一种似准非准的感觉，在以后的教学当中就更难于解决音准的问题。

是不是有了正确的音高概念和良好的听觉就可以解决音准问题呢?这只是问题的一个方面。除此之外，还有一些其他的因素，比如：手型不正确、颤指的运用不正确以及换把的不准确等也都可能造成音准问题。

1、 手型与音准

板胡是一个个性非常鲜明的乐器，而且我们所用的乐器分为高音板胡和中音板胡、次中音板胡，有时还要演奏低音板胡。在演奏不同的板胡的时候把位的大小是不同的，这就要求我们的指距要有所变化，同时手型也要根据不同的把位进行变化。在演奏的时候除了常规的指法还有特定的指法，也就是切把的运用。以高音板胡演奏的乐曲为例：以上谱例当中的2音是用小指伸指进行演奏的，小指伸指有时比较困难，所以按音往往不太准确，这就需要调整手型，手型由向上的倾斜改为向下的倾斜，这样才能更准确的演奏2这个音。其他的切把演奏的乐曲当中也有很多类似的情况，这就要求我们要及时调整手型，不能在演奏时千篇一律。

2、颤指与音准

颤指分为很多种，有揉弦、扣弦、压弦、扣揉弦等等多种，是手指在琴弦上按照不同的要求，在弦上有规律的颤动，来达到美化旋律的作用。由于颤指是手指的运动加上琴弦的松紧程度的变化，因此会造成音高的细微的变化。在演奏当中很多人由于颤指动作偏离了中心音，颤指的动作偏上或者偏下；颤指的幅度过大，动作太慢；手指过于紧张僵硬，速度和力度不均匀，造成了音准的不准确，我们应该注意以上的问题。

3、换把和音准

换把是更换左手手指和虎口的持弦位置，以此来改变音高和把位。由于换把是虎口持弦位置的上下移动，虎口移动不准确就会影响音准。

在换把时我们应该注意：

(1)手腕要有起动动作，在虎口移动以前，手腕要首先起动，要有预见性，带动虎口迅速移动向新的把位。

(2)虎口要尽量松弛，不可过分紧张，这样会造成夹琴杆过紧、滑动过涩，影响换把的速度和音准。

(3)虎口的移动要尽量准确，迅速移动到要换的把位，如果虎口的移动和要到达的位置差距较大，单靠手指调整音准是比较困难的。

因此，换把是否准确无误直接影响到音准的准确。

以上我就影响板胡演奏当中的音准的几个最主要的因素，以及训练正确音准的方法加以简单的论述，当然，影响音准的因素还有很多，如演奏的指法不合适可以造成不准确的音准，我们应该尽量采用最方便的也最适合演奏的指法来演奏；乐器的原因和琴弦的老化也可以造成高把位的里外弦的纯五度音程关系不准确，等等……值得一提的是，在我国的传统乐器的演奏当中，很多使用的是从古代的三分损益法得到的五度相生律和纯律，与西方的十二平均律有在律制和听觉上有一定的差异。随着板胡作为独奏乐器的出现，我们现在的演奏已经不只是为某种戏曲唱腔的伴奏，大多数时候是独奏和协奏的演奏方式，比如板胡经常有机会和西方管弦乐队的合作，这时就要求板胡的演奏要采用接近西方十二平均律的律制，否则就会给人一种音不准的感觉。但是我们又不能完全按照十二平均律的音高概念来衡量一切音乐。我国是多民族的国家，在长期的社会实践当中形成了不同的文化传统，地域特点，因此也存在不用的律制，在演奏地方音乐时，一定要研究他们的旋律、调式、音程关系，找到它们不同的律制的特点。比如秦腔当中的7和4都不同于十二平均律的7和4，而是介于7和b7之间，4和#4之间。还有湖南民歌当中的6也是介于6和#6之间的。这就要求我们在对学生进行音准训练是一定要区别对待，不能千篇一律，要按照不同的风格的乐曲来选择不同的音准标准，从而确定适合它的正确的音高概念。 

《戏曲艺术》2004年第2期

 关于板胡的换把技巧 ： 

    过去,板胡演奏大多用于戏曲和说唱伴奏，在第一把位上使用较多，然而随着时代的发展和音乐变化，板胡的演奏已扩展到两把位至三把位。这是板胡演奏的突破，从而，奠定了板胡作为独奏乐器的重要基础。换把是板胡常用的技巧，也是基础训练的重要项目。很多乐曲如果离开换把，从音域到乐曲的表现力，都将大为减色。在剧团里经常听艺人们的演奏，他们对民族风格的掌握和演奏的功夫是不可多得的。但往往对板胡的换把技法的理解与演奏还显得停留在传统的意义上，甚至像京胡一样，反挂演奏。因此，他们的演奏具有局限性，所以换把动作的合理化，规范化，科学化，直接关系到音高，节奏的准确度和音乐表现。 
    换把应该更多地重视臂的作用，用上臂作为主要的动力，控制在两个把位之间作准确空间距离的交换，把位感和把位间的距离感，应以手腕的动起和肘部的配合来作判断，左手在操作换把时，上与下的换把，是否感到自如，颈部、肩部、手腕、肘节、虎口、拇指都要放松。在手臂自如的带动下，手腕先行。手指在手腕的作用下，配合拇指、虎口的跟随即速赶上，并与手腕、虎口、拇指同时到达另一稳定的手型把位，动作完成连贯。指和腕、掌和臂、手臂和琴杆在动作过程中，要体现的协调一致，自然贯通。换把中，作移动的或滑动的手指，应提前缩小与弦面夹角的角度。时间上与手腕先行是同步的，并且不可用按起点音的力量作用于弦，根据乐曲的要求，顺延着弦作有效的缓、急、虚、实的变化。当达到目的音时，无论同指或异指再还原正常按音的力度，虎口同时将琴杆把握稳定。 
    换把动作是以大带小的动作，在规定的节奏内完成的。规定时间内换把动作的完成，既体现了整体性，贯通性，又体现了局部协调感和自如感。一般来说，因为手和臂只要放松地沿着琴弦、琴杆的方向，自然地往下垂落，这种力比较省劲，所以由低音向高音的换把比较容易控制和掌握；相反由高音向低音的换把是向上提举的力，加上手臂自身的重量，所以比较吃力。这就要求加大腕部运动的弹性，并提高手指向上的主动性，以达到动作的顺利到位。总之一上一下，一掉一弹，用力不一样，感受是不一样的。我们应缩小双向换把的难度差，使各自动作的手指能够一次性顺利的达到确切的音位，并保证稳定的手型不变。 
    正确的换把在不同形式运用中，除左手动作合理演奏基本原型外，还需有正确的演奏姿势。过分夸张和过分拘谨的演奏姿势，则给人以做作和无把握的感觉，都会对换把造成制约，缺乏完美。另外换把还与右手运弓有着密切的关联，左、右手的配合，是应用于千变万化的音乐换把的重要一环，为了达到换把的准确性，要求演奏者要有音乐感和音准概念感，在反复演练与听辨中，用感觉去控制调节双手合作关系上的不足。当你要换下一个音位时，头脑的音高概念首先要形成，要求意念到手到。细节决定成败，要在细节上多下功夫，这是相当的重要。 
    实践是检验真理的唯一标准，多参加艺术活动与演奏实践。多演奏不同风格的乐曲，也是提高换把能力的一项手段。长期的训练中要加强听觉与感觉的培养，多加强音阶及练习曲的训练，包括外国乐曲的借鉴与训练。长期以往的累积，会对换把的技法，加深体验和理解。换把技法的最终目的，是为乐曲服务，科学手法的掌握，是实现音乐表现的最终目标。 

二胡一般采用五度定弦，民间音乐中惯用两种弦。一种弦是用中弦、老弦，叫做“托音胡琴”。
　　小工调（D调）g－d（或a－e）（do S01弦）
　　正宫调（G调）g－d（sol re弦）
　　另一种用子弦、中弦，叫做“主音胡琴”，定弦为d1-a1。其传统调名、弦法和现代通用调名对照如下：
　　江南民间吹打乐曲和戏曲（如锡剧、扬剧、沪剧）中应用“托音胡琴”的情况比较普遍。廿世纪二十年代，戏曲界有两位著名的京胡琴师，号称南、北陈，北陈叫陈彦衡，南陈叫陈公坦（号以履），都植用“托音胡琴”，无锡天韵社社长吴碗卿以及无锡道士演奏《十番鼓》《十番锣鼓》时也都用“托音胡琴”。由于“托音胡琴”用弦较粗，演奏时旋律较“主音胡琴”挺拔粗扩，重厚宏亮，技术上掌握亦比较困难，但在民间有着深厚的传统演奏基础．民间音乐家阿炳就是演奏“托音胡琴”的杰出代表。江南丝竹乐用“主音胡琴”，如江阴民间艺人周少梅用这种胡琴演奏，音色较柔和细腻，噪音较“托音胡琴”易控制些，刘天华向周少梅学习，后来经刘天华把“主音胡琴”的定弦法带入高等学府并在专业队伍中传授继承下来。
　　目前，专业演奏一般都用“主音胡琴”（即d1一a1），演奏阿炳作品及其它民间音乐作品时，将定弦临时调低。

弓子也是二胡最重要的部件之一，弓杆用红竹、白竹、香妃竹等富有弹性的细长竹子制成；弓毛用马尾制成，以白马尾为佳。演奏者对弓子的粗细、软硬有自己的爱好，一般选择弓杆均匀，竹节少、不鼓起，弓毛顺而齐者为佳。如果弓杆弯度不合适，可把弓毛一头脱出，将弓杆在无烟焰上边转动边烘烤，务必要使受热均匀，且注意不要烤焦。待竹质变软时，即可弯成适合的形状。弯好后要立即用凉水冷却、使之定型。当个别弓毛折断时，不可用手扯去，以免带松其它弓毛．使之松紧不一，如果连根拔出，还会使结头变松，引起弓毛陆续脱出。因此，必须用小剪刀小心地齐根剪下。如有几根弓毛太松，又舍不得剪去，可用燃着的烟头熏烤一下使其收紧。但要注意烟头不可靠弓毛太近，以免烧断。弓子在使用过程中，手尽量不要碰弓毛，以免使弓毛沾上油污而影响演奏。一旦发生弓毛沾上油污的情况，可将弓子卸下，用肥皂清水洗净、晾干，重新擦上松香使用。如果弓子长期不用，要放上卫生球保存，以免遭虫咬。

    揉弦是二胡演奏的基本功之一，也是最常用的一种技法。揉弦的好坏直接关系到音色的美感和二胡的表现力。对自学的人来说，揉弦又是一个较难掌握的技巧。二胡的教材，以及视频教程对揉弦的讲解又过于简单。揉弦又是一种既有章法又无定法的技巧，还有些说不透的内涵。我虽然苦苦思考、笨笨地练习，至今也未吃透揉弦的奥妙。在这里，仅把自己的思考与些许体会整理出来，与朋友们共同讨论。
讨论以使用最普遍、最广泛的滚揉作为重点，大致归纳出以下几条操作方面的问题，供作参考。
1，        名家提示：
赵寒阳教授说：“揉弦是演奏者内心乐感的一种自然流露，在演奏时，揉弦都是下意识的动作，没有人想着动作去揉弦的，而是要想着声音去揉弦。”
严洁敏教授说：“演奏者是在心中先听见他想要的那种声音，然后才演奏出来。”
2，        揉弦与放松。左手的放松是揉弦的关键。手腕、手掌、手指的任何一点僵硬，都会影响揉弦的效果。把左手练软、练活，是练习揉弦的重头课。而放松又是没有上限的要求，只有自身的感悟。因此找到放松的感觉，才是入门的一课。
3，        揉弦的支点。手腕是支撑手掌活动的力点，也是将手臂的力传导到手指的中转站。但它不能作为揉弦时手掌摆动的支点。如果以手腕作支点，揉弦的频率会很慢，速度一快就无能为力了。揉弦的支点应在虎口的左侧、拇指的根部（有时要用到其下的大鱼际）。根据我的摸索，只有这样，才能保持所有手指伸曲、和按内弦时的高度灵活。
4，        揉弦的手型。手型决定揉弦的效果。正确的手型是，在第一把位时小臂自然与琴杆保持45度左右的夹角，随着把位的下移，这个角度逐渐增大。手掌握空拳，若含鸡蛋。手腕与小臂、手掌外测平面基本成一直线，只有在3、4指按弦时，手腕才向内弯曲。观察名家的揉弦动作，当手掌作上下摆动时，手腕的动作很小。揉弦时，手指第一关节的伸曲，带动整个手掌的上提与下落。
5，        手掌的重力。手掌作上下运动时，要重视手掌下落的重力作用。这是体现放松程度的一个硬指标。这与运弓中借用弓子的自然重力的道理是一样的。台湾的隆中隠先生在他自创的“自然揉弦法”中，特别强调手掌的重力作用。如果不会借用手掌的重力揉弦，就体会不到自然放松的感觉，揉出的声音也不会好听。
6，        揉弦的指型。之所以提出指型，是为了便于讨论手指在揉弦时的形态。由于各个手指按弦的自然位置不同，决定了各手指操作方法的差异。其中，中指的位置最为有利，便于揉弦时的自然伸曲。食指靠上，不得不将第一关节弯曲，不利于自然伸展。补救的办法一是将其他手指都一起收拢弯曲（请注意赵寒阳的一指揉弦动作）；二是手掌位置略为下降，使拇指根部下的大鱼际靠在琴杆上，作为手掌辅助的活动支点。无名指的位置偏下，第一关节处于只直不弯的状况，手掌的活动幅度受限，操作起来极不灵活。补救方法是手掌略向内弯，并将食指伸直，增加揉弦的灵活性。小指无法用滚揉，只能压揉。其辅助动作是用3指或2、3指同时按弦，增加小指按弦力度；把1指伸直，增加小指压揉的灵活性。根据每个人的情况不同，可以自行摸索适合自己揉弦的指型。
7，        揉弦的音准。手掌在弦上的滚动，都是在本音的准与不准之间运动。在滚动中要保持本音的位置不偏离。否则揉弦再好听，音不准了就是操作的错误了。因此要时刻发挥耳朵监听的作用，一旦发生偏差，立即纠正。过去的滚揉是“对称滚动法”，即按照准－偏低－准－偏高的周期滚动。而现代的滚揉大都采用“不对称滚动法”，即按照准－偏低－准的周期运动。这样揉出的声音更符合人的聆听习惯，反而觉得好听。由于减少了一半的滚动周期，在操作上对音准的把握更为有利。
8，        按弦的部位。用指尖按弦，触弦面积小，揉弦滚动的范围要窄一些。如果压弦轻些、运弓力度小些，揉出的效果会轻松柔美而秀气，适合表现优雅、恬静、梦幻如歌的乐段。用指肚触弦，触弦面积大，滚动会宽一些。如果适当增加力度，揉出的效果浑厚、大气。适合表现宽广、厚重、热烈的情绪。
9，        揉弦的速度。也就是滚动周期的频次，也表示揉弦的快慢。滚揉一般都是从手指第一关节的伸曲分解动作练起，熟练之后便是慢揉了。要做到每个手指慢揉均衡，效果一致也不容易。慢到每秒一、二次又很均匀，就更不容易了。但有时在乐曲的弱收、结尾的地方，恰恰需要这样的慢揉效果。快速的揉弦是滚揉的一个台阶。有的人以前压揉习惯了，手指很僵硬，滚揉一快就回到了原来的习惯，这是需要努力克服的毛病。解决的办法是手指保持放松，由慢逐渐加快，慢慢减小手指第一关节的伸曲幅度。这时始终保持放松、利用手掌的重力，仍然是一个关键。个人体会，练习方法从极慢柔－慢揉－中揉－快揉－中揉－慢揉－极慢揉，作为循环周期，反复练习，直到运用自如。
听了一些名家演奏的现代歌曲，揉弦的速度非常快，以渲染那种华丽、激动的情绪，大有煽情的效果。我想可能是在滚揉中适当加大了压揉的力度，并运用了揉弦的弹性手法。
10，        揉弦的力度。由于二胡没有指板，在滚揉时也会对琴弦施加一定的压力。由于滚揉与压揉在手法上是不同的，通常说的滚揉与压揉相结合，不如说滚揉与压弦结合更准确些。重揉与轻柔。除在揉弦的幅度上有差别，更主要的在于对琴弦施加的压力不同，同时也与运弓的力度有关。无论是重揉或是轻柔，按弦的手指一定要实而不虚，这就等于在琴弦上施加了一个压力。在这个起点上再施加不同的程度的压力，就是揉弦的力度了。揉弦的力度，是表现揉弦强弱的手法，重要的是掌握好分寸感。
11，        揉弦的弹性。在一些表现短促的乐句时，揉弦的时值较短，需要用弹性揉弦来表现其特定的韵味。例如在《喜看麦田千重浪》第一小节的 61（高音），1（高音），其中的两个1就要用弹性揉弦。所谓弹性揉弦，个人理解是在揉弦中，利用对琴弦加压后琴弦产生的张力反弹作用，控制揉弦的速度和时间，与琴弦一张一弛形成同步的揉弦方法。在压弦时开始快速揉弦，待琴弦反弹时立即停止揉弦，可产生一种有弹性节奏的、欢快跳跃的揉弦效果。在表现轻盈、活泼的乐句时，也可以用轻度的弹性揉弦。手指艰按弦要实，跟着琴弦的张力变化节奏，作轻快的揉弦，保持揉弦的流畅性和跳动感。
12，        揉弦的变化。根据乐曲节奏的快慢和强弱的布局，揉弦要有变化。不能使用一种揉弦速、力度一曲到底。也不能不分层次，见音就揉。对一首曲子，再演奏之前，需对乐曲的章节、段落、内容，以及情感表达的需要，进行分析，对揉弦的强弱、快慢、手法进行设计。那些地方用迟到揉弦，那个地方用要先揉后不揉，强与弱的揉弦对比等，做到心中有数。听于红梅的曲子，她对揉弦的处理非常到位，其揉弦手法细腻之极，韵味十足。这是值得我们业余练琴人努力学习思考的。

    以上所谈关于揉弦的操作性看法，纯属一孔之见。揉弦既有章法，又无定法。没有一种揉弦的既定模式，只有各自的探索感悟。我们在掌握了揉弦的基本方法之后，就要忘掉一切具体的操作，在自己的想象音色中，去寻求自己最美、最好的揉弦效果吧。
   （在二胡高手面前班门弄斧了，有误之处请指正。）
                          
                        雨牧    2007－8－17

　　和语言一样，不同民族都有过自己创立并传承下来的记录音乐的方式---记谱法。各民族的记谱方式各有千秋，但是目前被更广泛使用的是五线谱和简谱（据说简谱是由法国思想家卢梭于1742年发明的）。
　　
　　 简谱应该说是一种比较简单易学的音乐记谱法。它的最大好处是仅用7个阿拉伯数字----1234567，就能将万千变化的音乐曲子记录并表示出来，并能使人很快记住而终身不忘；同时涉及其他的音乐元素也基本可以正确显示。简谱虽然不是出现在中国，但是好象只有在中国得到非常广泛的传播。

1 音的高低：任何一首曲子都是高低相间的音组成的，从钢琴上直观看就是越往左面的键盘音越低，越往右面的键盘音越高。

2 音的长短：除了音的高低外，还有一个重要的因素就是音的长短。音的高低和长短的标住决定了该首曲子有别于另外的曲子，因此成为构成音乐的最重要的基础元素。

3 音的力度：音乐的力度很容易理解，也叫强度。一首音乐作品总会有一些音符的力度比教强一些，有些地方弱一些。而力度的变化是音乐作品中表达情感的因素之一。

4 音质：也可以称音色。也就是发出音乐的乐器或人声。同样的旋律音高男生和女声唱就不一样的音色；小提琴和钢琴的音色就不一样。

上述四项构成了任一首乐曲的基础元素。应该说简谱基本可以将这些基础性元素正确标住。

　在简谱中，记录音的高低和长短的符号，叫做音符。而用来表示这些音的高低的符号，是用七个阿拉伯数字作为标记，它们的写法是：
1 2 3 4 5 6 7 读法为:do re mi fa so la si（多 来 米 发 梭 拉 西）。
　音符是和音高紧密相连的,没有一个不带音高的音符。

　 音符的数字符号如1 2 3 4 5 6 7就表示不同的音高。在钢琴键盘上可以很直观地理解音符和音高。广义上说音乐里总共就有7个音符。

　钢琴上的琴键由黑键和白键组成，共有88个键盘。上图标示出这88键盘以及对应的音符和音高。现在重点看黄线框里面的音符---七个白键和五个黑键。搞懂了这12个音符和位置规律就可以将所有88个键盘掌握了。

　黄线框里面的音符上下都不带圆点的一般叫中音区音符。如果您记忆的话先将中央1（C)牢记在心---这可以说是所有88个键盘位置的基础。至于说为什么还叫C您可以参考有关调式的解释。这7个白键的就是如我们通常唱的1 2 3 4 5 6 7 这七个音符。那么5个黑键呢？请看下面有关半音/全音的解释。

　黄线右面的音符上边出现有圆点的，则表示要将该音升高一个音组，行话说“高8度”。如出现加两个圆点就表示将该音升高两个音组，余类推。在音符下边出现有圆点的，则表示要将该音降低一个音组，即“低8度”。如出现加两个圆点就表示将该音降低两个音组，余类推。

　用手依次弹上面各组键盘，你会直观地感到音的“高低”了。

音乐中的音符除了有高低之分外，当然还要表示长短之分。这里引用一个基础的音乐术语----拍子。拍子是表示音符长短的重要概念。
　 表示音乐的长短需要有一个相对固定的时间概念。简谱里将音符分为全音符、二分音符、四分音符、十六分音符、三十二分音符等。在这几个音符里面最重要的是四分音符，它是一个基本参照度量长度，即四分音符为一拍。这里一拍的概念是一个相对时间度量单位。一拍的长度没有限制，可以是1秒 也可以市2秒或半秒。假如一拍是一秒的长度，那么二拍就是两秒；一拍定为半秒的话，两拍就是一秒的长度。一旦这个基础的一拍定下来，那么比一拍长或短的符号就相对容易了。

　用一条横线“—”在四分音符的右面或下面来标注，以此来定义该音符的长短。下面列出了常用音符和它们的长度标记：

音符名称	写 法	时 值
全音符	5 — — —	四拍
二分音符	5 —	二拍
四分音符	5	一拍
八分音符		半拍
十六分音符	5 =	四分之一拍
三十二分音符		八分之一拍

　上例可以看出：横线有标注在音符后面的，也有记在音符下面的，横线标记的位置不同，被标记的音符的时值也不同。从表中可以发现一个规律，就是：要使音符时值延长，在四分音符右边加横线“—”，这时的横线叫延时线、延时线越多，音持续的时间（时值）越长。相反，音符下面的横线越多，则该音符时间越短。

　音乐中除了有音的高低，长短之外，也有音的休止。表示声音休止的符号叫休止符，用“0”标记。通俗点说就是没有声音，不出声的符号。
　休止符与音符基本相同，也有六种。但一般直接用0代替增加的横线，每增加一个0，就增加一个四分休止符时的时值。

　　音符与音符之间是有“距离”的，这个距离是一个相对可计算的数值。在音乐中，相邻的两个音之间最小的距离叫半音，两个半音距离构成一个全音。表现在钢琴上就是钢琴键盘上紧密相连的两个键盘就构成半音，而隔一个键盘的两个键盘就是全音。


　　白键位置上的3和4音、7和音之间构成半音；而1和2之间，2和3之间，以及4和5、6和7之间构成是全音。而1和2之间隔着一个黑键，1和2与这个黑键都构成半音。

　　将标准的音符升高或降低得来的音，就是变化音。 将音符升高半音，叫升音。用“#”（升号）表示，一般写在音符的左上部分，如下所示：


标准的音降低半音，用“ b "(降号）表示，同样写在音符的左上部分：


基本音升高一个全音叫重升音，用“x"(重升）表示，这和调式有关。


基本音降低全音叫重降音。用“ bb”（重降）表示。


将已经升高（包括重升）或降低（包括重降）的音，要变成原始的音，则用还原记号“”表示

　　 附点就是记在音符右边的小圆点,表示增加前面音符时值的一半, 带附点的音符叫附点音符。
例如：四分附点音符 八分附点音符：

　　掌握读谱，首先要掌握节奏，练习掌握节奏要能准确的击拍。击拍的方法是：手往下拍是半拍，手掌拿起有半拍，一上一下是一拍。
节拍符号：前半拍 后半拍 。一拍为 。节奏符号： 用 X 表示，念da。

　　熟悉节奏是，要求节拍，口念节奏一起进行练习。列如：2/4

（注：上列中2/4是拍，表示一四分音符为一拍每小节二拍。x 表示一四分音符为一拍，每小节二拍， x 表示四分音符，既一拍；表示八分音符，既半拍，表示二分音符，既二拍）

乐曲或歌曲中，音的强弱有规律地循环出现，就形成节拍。 节拍和节奏的关系，就像列队行进中整齐的步伐（节拍）和变化着的鼓点（节奏）之间的关系。

　　 指每小节一个强拍。
　　 例如：2/4 拍 ： （注： 表示强拍， 表示弱拍） 每小节第一拍是强拍，第二拍是弱拍。
3/4 拍： 每小节的第一拍是强拍，第二、第三拍为弱拍。

　　每小节有一个强的，有若干个次强的。
　　 例如：4/4 拍： 每小节第一拍是强拍，第三拍是次强拍，第二、第四拍是弱拍。
　　 每小节有两个或两个以上的不同类型的单拍子组成。它有两个或两个以上的强拍，这样的复拍子叫混合复拍子。
常见的右5/4拍。它是由（ 2/ 4+3 /4）或（3/ 4+2 /4）两种形式，它的强弱规律是：

x x x x x	x x x x x

注： 强拍、弱拍、次强拍。

　　每一中拍子，它的强弱规律是不同，从下一览表中可以了解常用拍子的种类。 以音5（ sol )为例：

拍 类		音 符	强 弱 规 律	拍 号	读 法
单 拍 子	一拍	5		1/4	四一拍
	二拍	5 - 5 -		2/2	二二拍
		5 5		2/4	四二拍
	三拍	5 5 5		3/4	四三拍
				3/8	八三拍
复 拍 子	四拍	5 5 5 5		4/4	四四拍
	六拍			6/8	八六拍

　　按照一定关系结合在一起的几个音（一般是七个音左右）组成一个有主音（中心音）的音列体系，构成一个调式。
　　 把调式中的个音，从主音到主音，按一定的音高关系排列起来的音列，叫音阶。

　　凡是音阶排列符合全、全、半、全、全、全、半结构的音阶，就是自然大调。这是使用的最广泛的调式。至于为什么是自然大调以后会有讲解。



　　 一般来说，一首音乐作品的开始音符是使用1、3或5的，而结束在1上的就是大调音乐。比如国歌就是大调音乐。要想真正搞懂大调音乐，必须要学习和声知识。

　　 小调式也有三种形式：
　　 a:自然小调：凡是音阶符合全、半、全、全、半、全、全结构的音阶，叫自然小调。

　　 b:和声小调:升高自然小调音阶的第VII级,叫和声小调.

　　 注: 4是半音5是一个全音加在一起就等于和声小调。

　　 c：旋律小调：在自然小调音阶上行时升高它的4、5，而小行时还原5、4叫旋律小调。

　　 小调音乐一般第一个音符是从6 或3 开始，而结束在6上。比如《莫斯科郊外的晚上》就是小调音乐。同大调一样，要想真正搞懂小调音乐，必须要学习和声知识。

，表示记号内的曲调反复唱（奏）。如果从头反复，前面的可省略。例如：

A B C D E F 实际唱（奏）为： A B C A B C D E F D E F

反复跳跃记号： 记在曲调的结尾，表示这段曲调的两次结束不相同：
实际唱 （奏）： A B C A B D
（3）D.C.记在乐曲的复纵线下。表示从头反复，然后到记在 Fine 或 处结束。
注：“Fine”是结束。“”是无限延长号，如果放在复纵线上则表示终止。

　　装饰音的作用主要是用来装饰旋律。它们用记号或小音符表示，装饰音的时值很短。
（1）倚音： 指一个或数个依附于主要音符的音，椅音时值短暂。有前倚音、后倚音之粉。
例如： 前倚音，实际唱 （奏） ， 中的 5 要唱 （奏） 得非常短促，一带而过。

实际唱 （奏） , 仍然唱（奏）很短促。
（2）颤音：由主要音和它相邻的音快速均匀地交替演奏，颤音的标记用tr 或 tr~~~~~例如：

tr~~~~~			实际演奏:
	-

(3)波音:由主要音和它上方或下方相邻的音快速一次或两次交替而成.
波音唱(奏)时一般占主要音的时间.波音分上波音(顺波音) 和下波音(逆波音) 两种.
例如: 实际唱 (奏) 。上波音 实际唱(奏) 下波音

(4)滑音:主要音向上或向下滑向某个音.欢音分上滑音 下滑音 两种.滑音除声乐能 演唱这一技巧外.一切弦乐器都可演奏.但钢琴等键盘乐器是无法演奏这一技巧的.

用 标记在音符的上面,表示这个音要唱(奏)得短促、跳跃。
例如：

			演奏成：
1 3		5 3

　　用 标记在音符的上面，它有两种用法：（1）延音线:如果是同一个音，则按照拍节弹奏完成即可，不用再弹奏，如下面的2的连线 ；（2）连接两个以上不同的音，也称圆滑线。要求唱（奏）得连贯、圆滑。下面的第二个连线就表示两个

　　用 > 或 或 sf 标记在音符的上面,表示这个音要唱 (奏) 得坚强有力. 当 > 与 两个记号同时出现时,